Principales Exponentes

Andy Warhol

Nació en Estados Unidos en 1928. Es el artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, Electric chair es una de sus obras más significativas.

Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael Sanzio, Giorgio de Chirico, Edvard Munch o Leonardo da Vinci. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.

Latas de sopa Campbell's. Serigrafía y polímero sintético sobre tela. 1962.

Serie Marilyn Monroe. Serigrafía. 1967.

Autorretrato. Serigrafía, 1967

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Roy Lichtenstein

Pintor estadounidense que junto con Andy Warhol, fue una de las más destacadas figuras del pop art estadounidense de los años sesenta, movimiento que se caracterizaba por el apropacionismo de la realidad y por la adaptación de imágenes procedentes del mundo del consumo y la cultura de masas.

Roy Lichtenstein recibió su diploma universitario de artes por la Universidad de Ohio en 1949 y posteriormente impartió clases en el University College de Oswego, Nueva York (1957-1960), y en el Douglass College de la Universidad Rutgers, Nueva Brunswick, en el estado de Nueva Jersey (1960-1963). Durante la década de 1950 no adoptó un estilo definido, si bien se sintió atraído por el expresionismo abstracto. Su interés por el cómic -historietas- como tema artístico comenzó probablemente con una composición sobre el ratón Mickey que realizó en 1960 para sus hijos.

Sus cuadros más famosos datan de principios de la década de 1960, cuando presentó una serie de telas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. De este modo sus viñetas, desvinculadas del contexto narrativo de una historia, aparecen como imágenes frías, intelectuales, símbolos ambiguos del mundo moderno: «Una vez elegido el tema, me desentiendo de él. Mientras trabajo actúo como si ejecutara una obra abstracta.» El resultado es una combinación de arte comercial y abstracción que propicia una reflexión sobre el lenguaje y las formas artísticas.

La primera exposición de Lichtenstein en la galería Leo Castelli de Nueva York (1962) causó sensación. Su obra despertaba tal interés que en 1968 fue el primer artista estadounidense al que la Tate Gallery de Londres dedicó una exposición individual. De entre sus pinturas, siempre de gran formato, cabe destacar Takka, Takka (1962), Whaam! (1963) y el óleo Nos elevamos lentamente (1964), donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal.

Continuó en la misma línea durante algún tiempo, introduciendo «bocadillos» o «globos» con texto en la obra y tomando sus modelos de historietas sentimentales o de acción. Desde mediados de la década de 1970 su estilo siguió una evolución significativa, basada en una visión más ecléctica del arte y de su historia. Así, adaptó libremente a artistas como Pablo Picasso y Henri Matisse, y representó a menudo naturalezas muertas ejecutadas con densas pinceladas. A partir de 1979 realizó también esculturas.